Пресса
<<123456...7
19
Nov
2014
В погоне за красотой
…Как когда-то Петр I прорубил окно в Европу, мирискуссники во главе с Дягилевым и Бенуа на рубеже XIX-XX столетий вывели в свет избалованной и, отчасти пресытившейся, Европы – большое русское искусство. Новаторское, подлинное и самобытное, пышное, яркое, воздушное, импрессивное, мастерски повествовательное. Более того, оно всесторонне проникло неизвестным доселе стилизованным русским почерком в живопись, театр, сценографию, музыку и книгоиздательство, навсегда изменив устоявшиеся традиции. Оно открыло Европе новую Россию и настолько пришлось ко двору на западе, что до сих пор работы мастеров объединения «Мир искусства», а это великие Бенуа, Бакст, Васнецов, Коровин, Яковлев, Серов, Кустодиев, Рерих, Лансере, Левитан, Поленова, Гончарова, Сомов и др., – неподражаемая гордость коллекционеров мира, топ-лоты в торгах знаменитых аукционов, желанный и выгодный способ инвестирования. Уже сам перечень имен людей, входивших в круг мирискусников, как принято называть членов одноименного объединения, внушителен и представляет собой нечто уникальное. Беспрецедентность достижений этих талантливейших людей неоспорима. Ведь мало того, что каждый из них самородок, но сотрудничая вместе и продвигая новые для того времени идеи и взгляды, эти творцы своей эпохи реально добились небывалых высот. Им удалось изменить и украсить не только ход истории классического искусства, но открыть миру неизвестное и многогранное искусство России с помощью неординарных антрепризных проектов, выставок, театральных премьер. Им посчастливилось стать разработчиками, законодателями целых жанров и направлений в уже существующем искусстве – от моделирования театрального костюма и разработки революционных декораций к спектаклям до выпуска литературного и живописного проекта нового образца. Сегодня на этих столпах продолжает жить и развиваться мировое искусство. Мирискусники глубоко современны: наши визуальные образы – от событий Петербургского периода русской истории до представлений о том, как должен выглядеть сегодня элитный художественный журнал, эксклюзивная книга, театральные декорации и костюмы, дизайн интерьера — во многом сформированы именно мирискусниками. Как нечто большое и важное, объединение «Мир искусства» началось, всего-то, с круга молодых амбициозных творцов с живым сердцем и умом, друзей юности по обучению в гимназиях, в университете и, в дальнейшем, Академии художеств – Бенуа, Философов, Бакст, Сомов, Дягилев, Коровин, Нувель. Главным организатором и идейным вдохновителем был Александр Бенуа. Страстно любящий театр, он не пропускал ни одного спектакля еще гимназистом, а студентом тем более. До головокружения увлеченный творчеством Петра Чайковского, не особенно любимого критикой в то время, Бенуа стал привлекать членов своего кружка к постижению его музыки. Именно два произведения этого композитора повлияли на изобразительные ориентиры молодых художников. Сначала его очаровала «Спящая красавица». После премьеры балета в 1890г. друзья Бенуа – Дягилев, Философов, Бакст, Нувель, Сомов, Коровин оформили для себя идеи реформ в русском искусстве, которые впоследствии лягут в основу объединения «Мир искусства». Их поразила историческая действительность, воссозданная в «Спящей красавице» - она приурочена и к детству будущего короля Людовика XIV, и погружена в сказки Шарля Перро. Перед будущими мирискусниками предстал миф-жизнь, с античной эстетикой и эстетикой Ренессанса в России. Сам Александр Бенуа, признается в своей книге «Мои воспоминания»: «Восхищение «Спящей красавицей» вернуло меня вообще к балету, этим загоревшимся увлечением я заразил моих друзей, что через несколько лет подвинуло нас самих на деятельность в той же области, в театре, а эта деятельность доставила нам мировой успех!» Далее, опера «Пиковая дама» Чайковского, с образами Петербурга привнесла в умы будущих мирискуссников дополнительный новый вкус. Друзья погрузились в европейскую архитектуру северной столицы и ее окрестностей – изучали дворцы Петергофа, Ораниенбаум, Царское село. Осваивали живопись, посещали театры, концерты и выставки. Все больше и больше влюбляясь в романтизм, петровское барокко, эстетику Ренессанса, энтузиасты горели идеей о создании русского искусства другого формата. Они желали расстаться с обветшалыми художественными традициями передвижников, с массовостью и порой народной сюжетностью в живописи. Но страстно желали возвратить русскому искусству главное его качество – художественность и насытить его эстетикой, красотой, изяществом. Объединение не преследовало цель создать отдельное направление в искусстве. Как говорил А. Бенуа: «У нашего кружка направления не было, вместо направления у нас царил вкус». В дальнейшем мирискусники с энтузиазмом боролись за то, чтобы достойно представить это обновленное русское искусство на Западе. За какой проект бы они не брались в дальнейшем, именно этой эстетики и придерживались – «искусство ради искусства». Однако повышенным интересом к зарубежному искусству многие из них заслужили в литературно-художественной среде репутацию западников. Окно в Париж В паре с Александром Бенуа, важнейшим идеологом и двигателем проектов мирискуссников стал Сергей Павлович Дягилев, позднее известный театральный деятель, антрепренер. Он играл ведущую роль в решении всех организационно-практических задач. И грезил идеей сплотить молодых художников Петербурга и Москвы. Дягилев проявил еще невиданные в России качества современного продюсера – энергию, предприимчивость и настойчивость при организации первой международной выставки. Он уговаривал одного, подгонял другого, стыдил третьего... А главное умел найти средства и достойно продвигать проекты мирискусников. В 1898 году Дягилев впервые добился совместного выступления мастеров двух столиц на Выставке русских и финляндских художников. Здесь успешно участвовали Бакст, Бенуа, Васнецов, Коровин, Нестеров, Лансере, Левитан, Малютин, Поленова, Рябушкин, Серов, Сомов и другие. Дягилев, с присущим ему организаторским талантом, устроил все с большим вкусом: само оформление выставки было необычным для Петербурга и, тем более, для Москвы: в зале всюду расставлены цветы, а на вернисаже играл оркестр. Он так же организовал присутствие на открытии многих членов царской семьи во главе с императором! Наконец, он договорился об экспозиции выставки, которая уже пользовалась успехом, в Мюнхене. Выставка подтолкнула Дягилева реализовать мечту - организовать художественное общество и уникальный журнал, посвященный искусству. В том же 1898 году ему удалось убедить известных меценатов и любителей искусства С. И. Мамонтова и М. К. Тенишеву финансировать ежемесячный художественный журнал. Вскоре в Петербурге вышел первый номер журнала «Мир искусства». Своим наполнением он произвел переворот, став для России новым типом периодического издания – начиная с обложки и заканчивая иллюстрациями и начертанием шрифта, журнал был произведением искусства. Например, были найдены матрицы подлинного елизаветинского шрифта, с которых отлили шрифт для журнала, клише заказывали уже в Германии. Печать осуществлялась в типографии Р. Голике и А. Вильборга. Своим успехом издание было обязано редакции и ее руководителям – Дягилеву и Бенуа. Работа велась прямо в квартире Дягилева. Здесь рисовали, редактировали тексты, ретушировали фотографии (хобби Бакста), писали, производили бухгалтерские расчеты... Все работали, не считаясь со временем и силами. Сам Александр Серов, примкнувший к мирискусникам, например, мало участвовал в этой работе, но любил бывать в редакции и делать карикатуры. Так появились известные ныне, острые и довольно жесткие шаржи на всех друзей Серова: Дягилева, Бенуа, Нувеля, Грабаря, Бакста, которые впоследствии вошли в коллекцию Бенуа. «Мир искусства» было первым художественным объединением в России, имевшим свой печатный орган. С одноименным журналом сотрудничали писатели и философы, поэты, публицисты, лучшие художники. Издание регулярно знакомило русскую публику с творчеством зарубежных мастеров, публиковало обзоры иностранных изданий, выставочных экспозиций, репродукции современной живописи и графики. Его направленность была в постепенном сближении с интернациональным стилем «модерн», а также в популяризации русского искусства XIX-начала XX вв. При этом «Мир искусства» - преимущественно журнал личной свободы творчества, лишенный какой-либо определенной тенденции. Журнал издавался до 1904 г. А что же было с самим объединением «Мир искусства»? При главенстве Дягилева и Бенуа, художники, графики Сомов, Бакст, Лансере вместе с Добужинским и Остроумовой-Лебедевой составили творческое ядро союза. К ним примыкали Головин, Билибин, Рерих; из мастеров «старшего поколения» в число авторитетов общества вошел Серов; как критик и исследователь с коренными «мирискусниками» был тесно связан Грабарь. На выставках 1899–1903 гг. экспонировались также работы Врубеля, Яковлева, Коровина, Левитана, Нестерова, Васнецова, Малютина, Трубецкого и мн. др. С появлением журнала и под его эгидой, мирискусники шагнули в выставочную деятельность. Первые пять выставок с 1899 г. по 1903 г. были наиболее громкими и успешными, собрав более 60-ти художников, в том числе блестящих европейских мастеров – Клода Моне, Гюстава Моро, Пьера Пюви де Шаванн, Дж. Уистлера и др. В 1902 г. произведения мирискусников были выставлены в русском отделе Международной выставки в Париже, где мастера Коровин, Малявин, Серов и Трубецкой получили высшие награды. После, были выставки русского искусства в парижском Осеннем Салоне, затем был Берлин и Венеция. «Мир искусства» на сцене Европы Дягилев, как умелый антрепренер, человек предприимчивый и влюбленный в музыку, балет, театр, с этого времени привозит в Европу свои «Русские сезоны», которые произведут фурор! Теперь старый свет не мыслит духовной и культурной жизни без ежегодных дягилевских сезонов. Оперные и балетные спектакли на классическую и современную музыку проходят здесь именно в новаторских постановках молодых режиссеров-хореографов, в исполнении целой плеяды звезд, но главное, в совершенно революционных костюмах и неподражаемых новаторских декорациях Бакста, Бенуа, Билибина, Головина, Коровина, Рериха. Дежурные декорации к спектаклям, благодаря им, навсегда покинули русский театр. Всё здесь представало европейцам высоко эстетичным, богатым, роскошным: каждая деталь спектакля, костюма, звука, практически, была шедевральной. Париж ждет и встречает сезоны Дягилева пять лет подряд с 1909 по 1914 гг. Именно дягилевские «Русские Сезоны» прославили русских мастеров мирискусников наиболее ярко, и открыли западу окно в новый мир, новую русскую культуру как высокое большое искусство. Европа аплодировала стоя сезонам Дягилева еще и потому, что мирискуссники произвели реформу театра. Здесь властвовали новаторы Бенуа и Бакст. Все, кроме музыки преобразилось – костюм, сценография, режиссура. Бенуа в своих воспоминаниях пишет: «Я совершенно убеждён, что с нашего русского сезона может начаться новая эра французского и обще-западного театрального искусства». Мирискусники впервые стали изображать эскиз костюма и актёра в нём в движении, определяя, таким образом, характер поведения, стиль образа и даже направление работы для балетмейстера. В этой области Лев Бакст с первых же шагов (ещё в России) занял доминирующее положение, с тех пор он так и остался единственным и непревзойдённым. В «Русских сезонах» особенно ярко проявился и расцвёл его декоративный талант. Современная сценография и костюм, как и оформление спектаклей сезонов Дягилева, обязаны славой именно ему. Бакст создал непревзойдённый театральный костюм, «пиршество для глаз» роскошных и феерических зрелищ. Витиеватые, ювелирно пышные орнаменты, яркие цвета и богатство декора, тканей, аксессуарики и деталей поражает воображение. Большая часть эскизов костюмов Бакста, решена в торжественно ярких тонах и часто обильно украшена золотом. Блеск и роскошь восточных красок через художественность эпохи Возрождения. Восторг вызывали как неисчерпаемая фантазия художника, так и изумительные находки, в смысле сочетания и самого качества цветов. Бакст для собственного удовольствия придумывал узоры и, как ювелир, затем, чеканил их. Вот почему до сих пор его костюмные макеты сегодня остаются сами по себе драгоценными художественными произведениями, которые редки и представлены в лучших музеях мира, частных коллекциях, быстро раскупаемы с молотка лучших аукционов. Живопись изящества Живопись и графика мирискуссников в отличие от работ передвижников с суровым реализмом и сюжетами из народа, была потрясающе сказочной, изящной, легкой и стилизованной под прошлые века. В своих произведениях они оживляли своеобразную «кукольность» рококо, благородную строгость русского ампира. Показывали как бы нарочито чудесную несуществующую реальность, с сюжетами из дворцовой жизни, с богатством и пышностью костюмов героев. Эти творцы создали особый лирический тип исторического пейзажа, окрашенного то элегией (Бенуа), то мажорной романтикой (Лансере). Поражая утончённым декоратизмом, тонкими линиями, переходящими в орнамент в графике (Бакст, Гончарова), и неслучайным, мастерским изяществом в работе с цветом, прозрачностью и воздушным сочетанием матовых тонов в живописи. Все произведения мирискусников – это обилие красоты в субъективном понимании каждого мастера. Стоит упомянуть, что благодаря деятельности мирискусников небывалый расцвет переживает искусство оформления книги. Художники активно работают над первым и крупнейшим в истории того времени оформлением учебников по истории России. За несколько лет до начала Первой мировой войны издательство Кнебеля в Москве выпустило комплект из пятидесяти хромолитографий большого формата, оригиналы для которых выполнили мирискусники, и только тогда учащиеся земских школ получили наглядное представление об истории государства. Художникам «Мира искусства» удалось создать сюиту талантливых и запоминающихся образов Петербургского периода русской истории – визуальных образов исторических событий, которыми можно было гордиться. Кстати, позднее, работа Александра Бенуа «В немецкой слободе. Отъезд Петра I из дома Лефорта», созданная именно к этой серии «Картины по русской истории», которая выходила в виде открыток и больших репродукций, была продана несколько лет назад в Москве за 16,275 млн руб. ($555 тыс.). В своем первозданном виде объединение «Мир искусства» просуществовало всего 5 лет с 1898 по 1903 гг., но сумело кардинально повлиять на дальнейший ход и развитие искусства в России, дав последователям сильный толчок, шанс для свободы взглядов и мнений в творчестве. Позднее, в 1910 начнется второй этап жизни легендарного объединения. Бенуа не остановится и продолжит объединение талантливых и неординарных художников. Но этот этап уже будет другим. Судьбы художников объединения «Мир искусства», которых русская революционная катастрофа XX века разметала по свету, сложились в большинстве своем трагично. Львиная доля работ мирискуссников, в результате вынужденной и повальной эмиграции после революции 1917 года, создавалась на чужбине. Вне России. В страданиях и тоске по родине написанные большинство полотен, эскизов костюмов к балетам и операм, театральных декораций, уникальных иллюстраций к книгам и записям, литературных работ, сохранились, в настоящее время, составляя лучшие коллекции мировых музейных и частных фондов. Оставаясь вне времени. Мирискусники сегодня Изобразительные произведения мирискусников – признанные шедевры мировой культуры. Ведь в объединение «Мир искусства» в разное время входили самые передовые русские художники: А.Бенуа, Л.Бакст, М.Врубель, А.Головин, М.Добужинский, К.Коровин, Б.Кустодиев, Е.Лансере, Н.Рерих, М.Нестеров, В.Серов, К.Сомов, А.Яковлев, В.Васнецов, Н.Гончарова, И.Билибин и многие другие. Художники-мирискусники вошли в историю, оставив обширное наследство, которое и поныне сохраняет неоспоримое художественное значение. Крупнейшие музеи мира представляют экспозиции, либо работы этих авторов, растет круг инвесторов – поклонников русского искусства данного периода, которые приобретают полотна через арт-дилеров на аукционах. В художественных рейтингах ведущих аукционных домов мира Sotheby's, Christie’s , Bonhams, и MacDougall's имена мирискусников занимают самые высокие позиции. Эскизы к картинам, иллюстрациям или макетам костюмов мирискусников имеют качественный инвестиционный прирост, как и живописные полотна художников объединения. Во второй половине 2000-х годов фаворитами инвестиций коллекционеров из мирискусников остаются Александр Бенуа, Леон Бакст, Константин Коровин, Борис Кустодиев, Александр Яковлев, Наталья Гончарова. Вот некоторые факты: • Уникальная коллекция акварелей и театральных эскизов великого русского художника Александра Бенуа, проданная в конце ноября 2011 года на Sotheby’s по рекордной стоимости, стала крупнейшей из тех, которые когда-либо выставлялись на торги аукционов. Перед проведением торгов часть работ Бенуа была выставлена в нескольких музеях Франции и Италии. Ранее данная коллекция работ Александра Бенуа находилась в частном собрании семьи знаменитого мастера. Среди проданных с торгов работ, – портреты членов семьи Бенуа, акварели, пейзажи, иллюстрации к книгам и эскизы декораций. Особыми лотами из данной коллекции, вызывавшими повышенный интерес среди коллекционеров и любителей живописи, стали эскизы декораций и костюмов для знаменитого балета И. Стравинского «Петрушка» и оперы «Соловей», показанных во время гастролей в Париже в начале прошлого века знаменитых Русских сезонов Дягилева. Эскиз Бенуа к опере «Соловей» приобрел неизвестный покупатель за $235,5 тыс. И это при том, что эстимейт (оценочная стоимость) этого эскиза составил всего $50 тыс. Итоговая стоимость всей коллекции составила $3,1 млн, в два раза превысив эстимейт. Таким образом, на последних торгах аукционного дома Sotheby’s был поставлен новый мировой рекорд аукционной цены на работы Александра Бенуа. • На аукционе MacDougalls в конце 2011 года «Купчиха» Бориса Кустодиева стала самым дорогим лотом торгов русского искусства этого аукционного дома. Она ушла с молотка за 2 млн. фунтов стерлингов. • Полотно Бориса Кустодиева «Извозчик» из коллекции нобелевского лауреата советского физика Петра Капицы в 2012 году продано на аукционе Christie’s за рекордную сумму 4,4 млн. фунтов стерлингов (7 млн. долларов). Изначально картина оценивалась в 1,5-2 млн. фунтов стерлингов. • В 2011 году на торгах аукционного дома MacDougalls самой дорогой работой в разделе графики стал эскиз декорации Леона Бакста «Порт Фамагуста» к спектаклю «La Pisanelle ou la Mort parfumee» (около 1913 г.), который в 20 раз превысил свою первоначальную оценку в 40-60 тыс. фунтов и продался за 850 тыс. фунтов. А в мае 2012 года картина Леона Бакста установила новый ценовой рекорд на Christie’s, акварель «Желтая султанша» ушла с торгов к анонимному покупателю почти за $1,5 млн., при том, что ее эстимейт составил $560-700 тыс. Таким образом, работа известного русского и художника был продана почти в три раза дороже первоначальной оценки. В ноябре 2013 года полотно Леона Бакста «Купальщики на пляже на Лидо в Венеции» ушло с молотка за 500 тыс. фунтов ($815 тыс.). • 1 ноября 2011 года в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s картина знаменитой художницы Натальи Гончаровой «Московская улица» была продана за $6,3 млн. В 2008 году был поставлен ценовой рекорд на ее работы, когда натюрморт «Цветы» был продан за $10,9 млн. • В мае 2005 г. пейзаж Константина Коровина «Гурзуф летом» на Sotheby's продан за рекордную цену - 1 млн. 38 тыс. фунтов. Картина, выполненная в зелено-фиолетовых тонах в характерной «коровинской» манере, более чем в 12 раз превзошла свою оценочную стоимость. Коровин традиционно пользуется успехом у западных коллекционеров российского искусства, но подобный успех стал настоящей сенсацией. Источники и материалы: • Литературно-художественный альманах «Феномен», №1(5) январь-март 2008 года • Александр Бенуа «Мои воспоминания» • Б.М.Носик «С Невского на Монпарнас: русские художники-мирискусники за рубежом» • Г.И. Чугунов «Валентин Серов в Петербурге». Биографии и мемуары • Популярная энциклопедия мирового искусства • Мировая история костюма (http://www.costumehistory.ru) • Обзоры торгов аукционов по материалам сайтов artprice.com, artinvestment.ru, РИА Новости, Luxlux.net
15
Feb
2014
Canvassing Support
29
Apr
2013
Транс-живопись, нет, скорее…живопись жизни
Экспозиция Саори Канда «Моя Япония» открылась в государственном музее имени Кастеева. Продлится выставка до 18 мая. В ее картинах – сакура, тонкий аромат этих розово-белых веточек, можно даже ощутить, и услышать шелест тонкого шелка кимоно…. силуэты женского тела в арабском стиле, глядя на которые, хочется так же красиво изогнуть талию….экзотические благоухающие цветы, которые встретишь только в Багдаде…. Она любит яркие жизнерадостные краски. Талантливая японская художница Саори Канда, сама, словно воплощение Солнца, которое восходит над Японией… Саори Канда создает картины под музыку в присутствии зрителей. Говорит, потоки энергии идут разные – любопытство, удивление, восхищение, радость, любовь или тоска, вдохновляют ее на создание лучших полотен. Потому что, она рисует сердцем, через него проходит частичка вашего тепла, преобразуясь в вихрь эмоций. И не нужны ей, в такой момент кисти, энергетика окружающих передается холсту ее хрупкими, изящными ладонями, кончиками пальцев, кожей. Никто не может предугадать, что, в итоге появится. Это тайна, даже для самой художницы. Но, загадка, становится воплощением прекрасных картин, где каждый найдет что-то свое: Вселенную, морскую пучину, экзотический цветок, пламя костра или... пустоту. Эту экстравагантную, в своих нарядах и стиле живописи, художницу можно назвать космополитом. Саори родилась в Японии, воспитывалась в Ираке и Объединенных Арабских Эмиратах, училась на дизайнера в Японии. Сейчас, много путешествует. Вот, добралась и до Казахстана. Первое, что отметила Саори, у казахстанцев удивительно теплая энергетика. Танцуя в творческом трансе, художница создала полотно на глазах у алматинской публики. Через такую вот, подачу таланта, понимаешь исконное значение слова – живопись. Гостей перфоманса просят оставаться до конца, чтобы не рвать энергетические нити вдохновения. Изящная Саори очень грациозно и красиво движется под музыку вокруг полотна, кажется, что она и рисует, и дирижирует оркестром эмоций, что кипит в ее сердце. Происходящее, действительно, завораживает… «-Я просто ловлю момент. Каждая минута творчества прекрасна. В моей работе отражаются встречи с разными людьми, на них реагирует мое тело и движения рук. Сегодня я чувствовала особую энергетику от публики. Она шла сильными волнами и отзывалась у меня в сердце.» Саори говорит, что, идея и концепция картин возникают у нее во время работы. Повинуясь звукам музыки и энергии окружающих, Саори погружается в транс и делает процесс создания картин, то, что художники, обычно, прячут в своих мастерских, достоянием зрителей. Аккомпанирует Саори известный пианист, один из наиболее ярких и признанных молодых музыкантов - Эрнест Со. Этот музыкально-живописный тандем оправдан. Эрнеста называют музыкантом, который пробуждает романтизм. Он родился в Гонконге, с ранних лет стал проявлять необычайную музыкальную одаренность. Окончил одну из лучших музыкальных школ мира- знаменитую Академию музыки, танца и театрального искусства в Нью-Йорке «Juilliard School». Сейчас Эрнест Со живет в Лондоне, много гастролирует, занимается педагогикой, коллекционированием, он известный филантроп. Совместные перфомансы азиатской красавицы и яркого, талантливого пианиста - это шоу не повторяющееся никогда. Выставочный зал в музее Кастеева был полон не только известными светскими персонами, ценителями, и критиками современного искусства, но и просто любопытствующими. Организатор выставки, известная в Казахстане арт-диллер госпожа Бану Бабаева, сообщила, что этот благотворительный вечер, призван помочь спасти жизнь больных детей. Полотно «Дыхание души», созданное во время алматинского перфоманса, и несколько других, с экспозиции, выставили на аукцион. Более $30 000, собранные от продажи картин, были переданы в благотворительный фонд Аружан Саин «Добровольное Общество Милосердия (ДОМ)» на лечение. Портал "Homebook.kz" Алматы
25
Apr
2013
Саори Канда: Не могу творить в тишине
В эти дни в Алматы проходит необычная выставка известной японской художницы Саори Канда Уникальность этого мастера прежде всего заключается в том, что она создает шедевры, используя не только кисть, но и мочалку, и даже простую тряпку. В интервью газете «ЛИТЕР-Неделя» Саори Канда рассказала, что заставило ее использовать для самовыражения такие нетрадиционные для художников материалы.. С.К.: На самом деле все началось еще в раннем детстве, и тогда у меня в руках были кисти, но вот настоящий прорыв в моем творчестве произошел десять лет назад, когда я впервые услышала удивительную песню в исполнении японского тринадцатилетнего мальчика. Его голос был таким красивым и проникновенным, что я даже заплакала. Эмоции тогда переполняли меня, и мне было необходимо их выплеснуть. И я начала рисовать, мне хотелось показать всем тот мир, ту красоту, которую я услышала и увидела в этой музыке. Но началось все с небольшого холста, на который я мелкими, изящными мазками нанесла свое видение. Сегодня же на этой экспозиции вы можете увидеть мои работы, выполненные и в других техниках. Дело в том, что когда я открыла в себе этот дар, мне захотелось попробовать рисовать большие картины, чтобы использовать все свое тело. Вот так, наверное, и возникли в моих руках мочалки и тряпки, с помощью которых я могу рисовать масштабные полотна. Но так происходит сегодня, что же будет завтра, я не могу сказать, потому как мой стиль меняется из года в год, ведь на меня оказывают большое влияние люди, с которыми я знакомлюсь и общаюсь, страны, которые посещаю, события, которые происходят в мире… ЛИТЕР-Неделя: Все началось с музыки. Какую роль она играет сегодня в вашем творчестве? С.К.: Самую важную. Я по-прежнему рисую только под музыку. И не важно, делаю ли я размашистые линии или наношу на картину мелкие детали, музыка всегда на первом месте. Другое дело, что для меня не важно, какая она будет: рок, поп, джаз. Главное – чтобы в ней была настоящая душа, было что-то, что могло увлечь меня в сказочный, чарующий мир. И когда я прикасаюсь к такой музыке, мое сердце раскрывается, подобно цветку, я начинаю танцевать, чувствовать себя счастливой. И я начинаю творить. ЛИТЕР-Неделя: Большинство из картин, представленных на вашей экспозиции в Алматы, посвящены сновидениям. В снах к вам тоже приходит вдохновение? С.К.: О, это очень хороший вопрос. Честно говоря, я всегда очень четко вижу сны, иногда даже могу запомнить всю историю, которую видела. Зачастую я плыву по небу и вижу внизу прекрасные земли, маленькие удивительны цветы, яркие краски. Я могу опускаться ближе к земле и вдыхать аромат цветов и травы либо подниматься высоко в небо и смотреть на бескрайние земли с высоты. И я наслаждаюсь такими сновидениями, жаль только, что я пока не могу нарисовать такую красоту. Более того, могу вам признаться, что для меня реальный мир и мир снов одинаково важны, поэтому я очень люблю спать. Сейчас, правда, у меня нет такой возможности, но дома в Японии бывает такое, что я могу спать в течение целого дня. И для меня это очень важное время, время, когда я могу увидеть и почувствовать другой, неведомый мир. ЛИТЕР-Неделя: В вашей выставке представлены работы, выполненные не только в разных техниках, но и цветовых решениях. От чего зависит, будет картина черно-белой или выполненной в ярких красках? С.К.: Если б я сама знала (улыбается). Я никогда сама не выбираю, какими красками буду рисовать, ведь все зависит от музыки. От того, как я ее услышу, что почувствую, какие эмоции буду испытывать. Так что все зависит от моего внутреннего состояния, потому что сама я никогда не задумываюсь о том, что и какими красками рисовать. Мое тело делает все самостоятельно… ЛИТЕР-Неделя: Хорошо, с красками понятно, а как быть с размером? Как вы решаете, будет это большая картина или миниатюра? С.К.: Дело в том, что большие картины я люблю рисовать в рамках своего перфоманса. Тогда все действительно начинается с большого холста, на который я под музыку начинаю наносить краски прямыми крупными мазками, используя тряпки и мочалки. Это мое естественное состояние, когда я пишу картины «вживую». Как правило, на написание картины у меня уходит около часа, но это не значит, что она уже полностью готова. Нет, после мне хочется дополнить ее мелкими деталями, пронести через весь холст новую энергию, энергию, которую я чувствую, слушая уже совсем другую музыку. То есть на моем полотне всегда идет борьба между тем, что было сделано ранее, и тем, что я делаю в данную минуту. И на такую борьбу у меня может уйти целый месяц, прежде чем я пойму, что сделала все что хотела. ЛИТЕР-Неделя: То есть для детализации картины вам также необходима музыка?С.К.: Я не могу творить в тишине. Для искусства мне необходима экспрессия, в этом, как мне кажется, и есть вся красота. Мне интересно смотреть на холст в тишине, я испытываю странные чувства, но этого мало. Поэтому и для детализации картины мне необходимо слышать музыку. ЛИТЕР-Неделя: А казахскую национальную музыку вы уже слышали? С.К.: Нет, но я бы очень хотела не просто услышать ее, но и попробовать рисовать под нее. У меня уже был опыт работы с традиционной японской музыкой, поэтому мне бы очень хотелось почувствовать и казахскую национальную музыку. И выразить на холсте свои эмоции и чувства, показать зрителям, какой я ее увидела… ЛИТЕР-Неделя: В самом начале нашей беседы вы сказали о том, что на ваше творчество влияют не только люди, с которыми вы общаетесь, но и страны, которые посещаете. А какое влияние оказал на вас визит в Казахстан? С.К.: Первое, что меня покорило, это, конечно же, горы. Чистое голубое небо, без облачка, заснеженные верхушки гор и красивые здания – вот таким я увидела Алматы. И это самое сильное впечатление от вашего города. Также меня покорили и деревья урюка, которые растут у вас по городу. Сейчас они находятся в цвету и очень похожи на нашу японскую сакуру. Мне очень нравится наблюдать, как лепестки цветов, падая с дерева, начинают кружиться на ветру, нежно опадая на землю. И, к слову, именно это я увидела, рисуя на открытии свою картину перед зрителями. Это очень красиво. Беседовала Марго ЭРВАНД фото Павла МИХЕЕВА Алматы
25
Apr
2013
Японская художница Саори Канда написала картину для алматинцев, танцуя...
В Алматы в Государственном музее искусств РК имени Абылхана Кастеева состоялось открытие персональной выставки японской художницы Саори Канда. Мероприятие ознаменовалось красочным перфомансом, во время которого на глазах у зрителей родилась новая картина художницы. Дождливый весенний вечер в южной столице ознаменовался ярким событием: впервые посетившая Казахстан, японская художница открыла вернисаж, написав свою новую картину в присутствии гостей выставки. Особую атмосферу в стенах музея создавал известный пианист Эрнест Со, играя классические мелодии. Краски, которые брала художница, послушно ложились на холст, гармонируя с музыкальным сопровождением. Вдохновленная музыкой и своей любовью к жизни, облаченная в кимоно Саори, танцуя, явила гостям свое очередное творение. Пришедшие следили за каждым движением художницы, которой вместе с музыкантом в полной мере удалось погрузить их в процесс рождения полотна. При всех, казалось бы, хаотично и спонтанно выполненных мазках, в картине Саори наблюдается точная сбалансированность композиции, не допускающей статики и сохраняющей ощущение движения. Полотно получилось ярким, «дышащим» и полным жизни. Помимо наблюдения за рождением новой картины Саори, гости могли ознакомиться с другими картинами художницы: на выставке были представлены более 30 живописных и графических работ девушки, а также отведать японские кушанья. Примечательно, что творчество молодой художницы очень современно, и в то же время глубоко традиционно. Девушка очень часто выступает автором живых перфомансов, сама становясь частью представления. Она создает свои картины, соединяя холст, краски, бумагу с музыкой, фильмами, танцами и светом, тем самым создавая полную картину о Японии и мира в целом. Работы Саори отличаются яркостью и сочностью цветов: она не приемлет серые и маловыразительные цвета. Ее живопись скорее напоминает стихию: бушующий океан весенних цветов, линий, красок, демонстрирующий восторг от окружающего мира. Сама Саори называет свое творчество «Живопись жизни» - искусство, воспевающее жизнь. «Красота Японии, что я чувствовала, когда была еще маленьким ребенком… Красота мира… Через мою работу я соединяю элементы кожи, Земли, бумаги и одежды с формами музыки, кино, танцев и света. Моя работа отражает встречающихся мне различных людей, и мое тело реагирует на них движениями моих рук. Я действительно могу сказать, что я люблю писать картины», - поделилась художница. В завершении перфоманса был проведен благотворительный аукцион, основным лотом которого выступило полотно, созданное художницей в этот вечер. Картина ушла с молотка за $18 тыс. Все средства, вырученные с продажи картин, организаторы намерены передать в благотворительный фонд «Добровольное Общество «Милосердие», который помогает тяжело больным детям, чье лечение пока невозможно в Казахстане. Выставка японской художницы организована компанией «Banu Babaeva Russian and European Fine Art», саму идею проведения такого мероприятия также поддержал акимат города Алматы. Нужно отметить, что экспозиция продлится до 18 мая 2013 года. Саори Канда родилась в префектуре Ямагучи, Япония в 1978 году. Будущая художница воспитывалась в Ираке (Багдад), Объединенных Арабских Эмиратах (Дубаи) и в Японии (Морийя Сити, префектура Ибараки). Окончила отделение Визуального коммуникационного дизайна в Колледже искусств и дизайна Университета искусств Мусашино. Самобытный подход к творчеству и уникальный способ выражения своего мировоззрения уже сделали Саори знаменитой в Европе, Азии, Канаде, США. Теперь о ней узнали и в Казахстане. Портал "Yvision.kz" Алматы